음악 문학 작품 분석

마지막 기사에서 연극을 소설로 분류하기 전에 연극을 어떻게 분류하는지에 대해 이야기했습니다. 이 자료에 대한 링크는이 게시물의 끝에 있습니다. 오늘날 우리가 관심을 기울이는 부분은 음악 작품을 분석하는 것일 뿐이지 만 우리는 음악 문학에 대한 수업 만 준비 할 것입니다.

먼저, 몇 가지 일반적인 원칙을 강조한 다음 특정 오페라, 교향곡, 보컬주기 등과 같은 특정 유형의 음악 구성 분석 기능을 고려합니다.

따라서 우리는 음악 작품을 파싱 할 때마다 최소한 다음 사항에 대한 답변을 준비해야합니다.

음악 작품의 정확한 전체 이름 (여기에 플러스 : 제목이나 문학적 설명의 형태로 프로그램이 있습니까?);
음악 작곡가의 이름 (작곡가는 하나 일 수 있으며, 작곡이 집단 일 경우 여러 곡이있을 수 있음).
텍스트 작성자의 이름 (오페라에서 몇몇 사람들은 종종 대본에 따라 작업하며 때로는 작곡가 자신이 텍스트의 저자로 활동할 수도 있음).
어떤 음악 장르가 작곡 된 작품 (오페라 또는 발레 또는 교향곡 또는 무엇인가?);
작곡가의 전체 작업 규모에 대한이 작업의 장소 (저자는 동일한 장르의 다른 작품을 가지고 있으며, 문제의 작품이 다른 작품과 어떻게 관련이 있는가? 그것은 혁신적 일 수 있는가 아니면 독창성의 최상위인가?);
주어진 작품이 음악이 아닌 원래의 출처 (예 : 책,시, 그림의 줄거리에 따라 쓰여지거나 역사의 모든 사건에 감명받은 경우)에 기반을두고 있는지 여부.
작업의 몇 파트 및 각 파트의 작성 방법;
수행하는 스태프 (악기 나 목소리는 오케스트라, 앙상블, 클라리넷 솔로, 목소리와 피아노 등);
주요 음악 이미지 (또는 캐릭터, 영웅) 및 주제 (물론 뮤지컬, 동일).

이제 개별 유형의 음악 작품 분석과 관련된 기능을 살펴 보겠습니다. 강력하게 흩어지지 않도록 오페라와 교향곡 두 가지 사례에 대해 이야기합시다.

오페라 분석의 특징

오페라는 연극 작품이므로 연극 장면의 법칙에 크게 영향을받습니다. 오페라에는 거의 항상 음모가 있습니다. 적어도 최소한의 양에는 극적인 액션이 있습니다 (때로는 최소 수준에서 멀지 만 매우 괜찮습니다). 오페라는 배우가있는 공연으로 상영되며, 공연 자체는 액션, 그림 및 장면으로 나뉩니다.

따라서 오페라 구성을 분석 할 때 고려해야 할 사항은 다음과 같습니다.

오페라 대주교의 문학적 근원과의 연결 (문학적 소스가있는 경우) - 때로는 그것들이 달랐고 매우 강했고 때로는 원천 원본이 오페라 전체 또는 일부분에 오페라에 들어갔다.
행동과 그림으로의 구분 (그 숫자와 다른 숫자), 프롤로그 또는 에필로그와 같은 부분의 존재,
각 액션의 구조는 연속적인 숫자와 같은 전통적인 오페라 형식 (아리아, 듀엣, 합창 등)에 의해 지배되며, 액션과 그림은 원칙적으로 별도의 숫자로 나눌 수없는 교차 컷 장면입니다.
배우들과 그들의 노래 소리 - 그냥 알아 둘 필요가 있습니다.
주요 행위자의 이미지가 드러나는 방식 - 그들이 어떤 행동과 그림에 참여하고 노래하는지, 음악적으로 어떻게 묘사되어 있는지,
오페라의 dramaturgic 기초 - 음모의 음모가 어디에서 어떻게 일어나고, 개발 단계는 무엇이며, 어떤 행동과 결과가 어떻게 발생 하는가?
오페라 오케스트라 번호 - 서곡이나 소개가 있든 없든간에, 인터 메조, 인터 메조 및 기타 오케스트라의 순수한 수단 에피소드 - 연주의 역할 (흔히 뮤지컬 풍경, 휴가 사진, 병사 또는 애도 행진과 같은 행동으로 이어지는 음악 그림과 등);
코러스가 오페라에서 어떤 역할을하는지 (예 : 행동에 대한 주석 또는 국내 생활 방식을 보여주는 수단으로 만 표시되거나 성가대 아티스트는 행동의 일반적인 결과에 크게 영향을주는 중요한 발언을하거나 성가대는 지속적으로 찬사를 보내거나 일반적으로 합창 장면 오페라 등 없음);
오페라에 어떤 댄스 공연이 있나, 어떤 행동을하고 있는지, 오페라에 발레를 도입 한 이유는 무엇인가?
어떤 영웅, 어떤 대상, 어떤 감정이나 상태, 어떤 자연 현상 또는 다른 것 등을 특징 짓는 오페라에는 어떤 작품이 있습니까?

이 경우의 음악 작품 분석을 완료하기 위해 알아야 할 사항의 완전한 목록은 아닙니다. 이 모든 질문에 대한 답은 어디에서 얻을 수 있습니까? 우선 오페라의 뭉치에서, 즉 음악적 텍스트에서. 둘째, 오페라 대본에 대한 간략한 설명을 읽을 수 있습니다. 그리고 세 번째로, 많은 책을 쉽게 찾을 수 있습니다 - 음악 문학에 대한 교과서를 읽으십시오!

심포니 파싱의 특징

오페라에 비해 교향곡은 일부면에서 더 간단합니다. 여기서 음악 자료 자체는 몇 배 더 작습니다 (오페라는 2 ~ 3 시간 지속되며 교향곡은 20 ~ 50 분입니다). 수많은 라이토 모티프를 가진 배우가 없으므로 이들을 서로 구별해야합니다. 그러나 교향곡의 음악 분석은 여전히 그 자체의 특성을 가지고 있습니다.

원칙적으로 교향곡은 네 부분으로 구성됩니다. 교향곡주기에는 두 가지 변형이 있습니다 : 고전적 유형과 낭만적 유형에 따라. 그들은 슬로우 파트와 소위 장르 파트의 위치가 다릅니다 (미뉴에트 또는 스코 츠 오의 클래식 교향곡, 낭만주의 - 스 코르 조, 때로는 왈츠). 계획을보세요.

다이어그램의 괄호는 이러한 각 부분에 대한 전형적인 음악 형식을 나타냅니다. 음악 작품에 대한 완전한 분석을 위해서는 형식을 결정할 필요가 있으므로 "음악 작품의 기본 형식"이라는 기사를 숙지하십시오.이 정보는이 문제에 도움이 될 것입니다.

때로는 부품 수가 다를 수 있습니다 (예 : Berlioz의 환상적인 교향곡 5 곡, Scriabin의 신성한시 3 곡, Schubert의 미완성 교향곡 2 곡, Myaskovsky의 21 번째 교향곡과 같은 단일 파트 교향곡) . 물론 이것은 비표준주기와 작곡가의 예술적 의도 (예 : 프로그램 내용)의 특성으로 인해 그 안에있는 부품 수의 변화입니다.

교향곡을 파싱하는데 중요한 것은 무엇입니까?

교향곡주기의 유형을 결정하십시오 (고전적, 낭만적 인, 또는 어떤 종류의 특이한 것).
교향곡의 기본 음조 (첫 부분에 따라)와 각 부분의 음조를 따로 결정합니다.
작품의 각 주요 테마의 비유적이고 음악적인 내용을 특성화한다.
각 부분의 모양을 결정한다;
소나타 형태로, 박람회와 회상에서 주요 부분과 측면 부분의 음조를 결정하고, 같은 부분에서 이들 부분의 소리 차이를 찾는다. (예를 들어, 주요 부분은 인식 할 수없는 상태로 인식 할 수없는 모양으로 바뀔 수있다.)
존재하는 경우 부분 간 주제별 링크를 찾아서 보여줄 수 있어야합니다 (한 부분에서 다른 부분으로 이동하는 주제가 있으며 어떻게 변경됩니까?).
오케스트레이션을 분석하십시오 (주요 음색 - 현악기, 목 관악기 또는 구리 악기)?
전체주기의 발전에서 각 부분의 역할을 결정하십시오 (가장 극적인 부분, 가사 또는 명상으로 제시되는 부분, 다른 부분에 혼란스런 부분이 있으며 결과는 결국 요약됩니다).
조각에 뮤지컬 인용문이 있으면 어떤 종류의 인용구가 있는지 확인하십시오. 등등

물론이 목록을 무기한으로 계속 사용할 수 있습니다. 최소한 가장 간단한 기본 정보를 알 수 있어야합니다. 이것은 아무것도없는 것보다 낫습니다. 음악에 대한 상세한 분석을하든하지 않든 상관없이 음악을 직접 접하는 것이 가장 중요합니다.

결론적으로, 우리는 약속대로, 이전 자료에 대한 링크를 제공하는데, 분석을 수행하는 문제였습니다. 여기에 기사 - "전문 음악 작품 분석"